El diseño art nouveau penetró en todos los tipos de artes decorativas europeas modernas y lujosas en el período de 1895 a 1905. Sus ondulantes curvas vegetales y elegantes remolinos florales también fueron un regalo de diseño para los modistos parisinos y hasta alrededor de 1908 o 1909 el estilo art nouveau fue enérgicamente apropiado para uso estacional y de alta costura.
Los vestidos de noche fueron los que más armonizaron con el art nouveau. Los modistos envolvieron su ropa de noche con una profusión de brocados de seda, apliques, bordados y encajes. Desde el escote hasta el dobladillo, los diseñadores jugaron con remolinos art nouveau en torno a la voluptuosidad de la figura de moda, que a su vez tenía la forma curvilínea de los corsés con curvas en "S". Incluso los trajes de paseo de lana hechos a medida estaban adornados con remolinos de aplicaciones. Entre 1907 y 1909, la popularidad del estilo había disminuido y fue reemplazada por una figura más erguida diseñada con una simplicidad geométrica extraída del Werkstatte de Viena, un dibujo de moda de Les Modes. de agosto de 1909 por Gaby, Toilettes pour Le Casino.
Contenido histórico
Esta apropiación del estilo art nouveau coincidió con el momento en la historia de la alta costura cuando la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne estableció firmemente una estructura comercial unida. Sin rival en otras partes del mundo occidental, los modistos de París vistieron a las mujeres de las cortes reales internacionales y la alta sociedad, incluso en Japón y la Rusia zarista, las esposas de los plutócratas internacionales más ricos y las grandes actrices de la escena parisina. Los clientes comerciales ya incluían las tiendas departamentales más grandes a nivel internacional.
El "look" art nouveau estaba a la vanguardia del estilo moderno. Solo los más a la moda lo usaban en su máxima manifestación, mientras que otros preferían versiones moderadas. Estos estilos se difundieron internacionalmente a través de revistas de moda, como Les Modes y hacia abajo a través de revistas orientadas a la clase media como The Ladies Field y La Mode illustrée. Los modos de julio de 1902 presentaba, por ejemplo, un vestido de baile art nouveau de Maggy Rouff con remolinos largos en plata y strass, sobre un fondo de seda color pajizo adornado con encaje de alençon.
Diseñadores
A partir de 1895, los veinte mejores salones de París desarrollaron modas art nouveau, desde House of Worth (cuyo diseñador era entonces Jean-Philippe Worth) pasando por los salones de Doucet, Maggy Rouff, Jeanne Paquin y Laferriere, por citar solo algunos. pocos. Lanzaron temporada tras temporada prendas de estilo art nouveau al mercado de la moda internacional. Los ejemplos sobreviven en las grandes colecciones de moda de los museos de París y Estados Unidos.
Versiones populares y de gran arte
Dentro de los niveles de clase media de fabricación de prêt-à-porter (para grandes almacenes y niveles superiores de fabricantes mayoristas), el estilo era diluido pero claramente visible, como en un traje de paseo de lana a medida que aparece en La Mode illustrée, revista de la familia en enero de 1901 por ejemplo. Sin embargo, el remolino no penetró en los niveles más baratos de fabricación en masa de ropa a medida para mujeres. Al nivel del Disfraz de media guinea de John Noble , como se ve en el Lady's Companion del 19 de septiembre de 1896, no hubo adorno ni decoración alguna. Descrito como "delicado y duradero", a los consumidores les preocupaba poco más que una silueta vagamente elegante y problemas de durabilidad.
Moda Art Déco
Tras la desaparición del art nouveau como inspiración de la moda, la apropiación del diseño art deco por parte de los modistos de París informó el próximo look de moda. Esto tuvo dos fases. El primero se desarrolló entre 1910 y 1924 y se construyó en torno al estilo neoclásico/oriental/campesino. El segundo se desarrolló entre 1924 y aproximadamente 1930:un estilo más minimalista, con toques de diseño modernista
Paul Poiret lideró la primera fase de la moda art déco. Su vida estuvo absorbida por el orientalismo, incluso cuando los Ballets Russes llegaron a París en 1909. Lanzó su línea delgada, simple y de talle alto en 1908, con un corte menos estructurado y un estilo exótico delicadamente estratificado. Poiret era un coleccionista de pinturas fauvistas, que inspiraron su uso de púrpuras, rosas, azules, verdes y dorados. La pasión de Poiret por el orientalismo, la chinoiserie, el estilo campesino europeo y el diseño del norte de África introdujeron una sencillez fresca y audaz en el corte y la decoración. Su Baile de las mil y una noches de 1911 desató una moda duradera por lo exótico, con el uso de sedas ligeras, borlas doradas, turbantes, vestidos tipo túnica y bordados atrevidos. Poiret, de mala gana, compartió su protagonismo con otros modistos como Jeanne Lanvin, Lucile y Callot Soeurs, quienes crearon versiones del estilo esbelto, de talle alto y, a menudo, suntuoso y exótico.
Art Deco-Fase Dos
Alrededor de 1924, la moda parisina se cristalizó en el look garçonne sin caderas, reflejado en la nueva clienta de alta costura deportiva, con su pecho plano, cabello corto y un estilo de vida menos restringido socialmente. La nueva generación de diseñadores clave incluía a Jean Patou y Chanel, quienes tomaron prestados elementos de los diseños cubistas órficos mucho más extremos de Sonia Delaunay. Madeleine Vionnet desarrolló su hábil corte al bies mientras que Lelong produjo el primer prêt-à-porter que salió de un salón de alta costura. Sin embargo, estas prendas art déco, sencillas y con faldas cortas, siempre se confeccionaron con la lana más fina o el Lyon floreado dorado más sofisticado. sedas y adornadas con pedrería compleja o fruncidos para identificar su procedencia de alta costura. Patou terminó el look cuando bajó el dobladillo en 1929.
Ilustración de moda
Un grupo de jóvenes artistas fauvistas que lucharon produjo una generación de ilustración de moda de calidad y celebridad duraderas. Bajo la inspiración original de Paul Poiret, y su pochoir impreso Les Choses de Paul Poiret de 1909 y 1911 este período lanzó las carreras de Barbier, Lepape, Iribe, Dufy, Erté, Marty, Benito y Bonfils.
Versiones populares y de alta costura
La falda corta y la cintura caída se copiaron en todos los niveles del comercio de la moda, esta vez hasta en el prêt-à-porter más barato, como se ve en Sears and Roebuck y en los catálogos de mayoristas de prêt-à-porter ingleses. El conocimiento de la moda y las oportunidades de consumo se extendieron a una audiencia masiva a través de las películas, a través de nuevas revistas de moda baratas, a través de la confección casera y a través de la amplia disponibilidad de seda artificial o rayón (aunque todavía una tela de moda poco confiable). Todo esto aceleró la demanda de prêt-à-porter hecho a máquina en masa y, por lo tanto, las chicas "prometedoras" de la clase trabajadora de ambos lados del Atlántico adoptaron formas moderadas de moda art déco a pesar de que sus medios económicos eran limitados. /P>
Versiones Retro
Si bien el estilo histórico nunca se repite de la misma manera, tanto el estilo art nouveau como el art deco han estado sujetos a resurgimientos de la moda. A medida que se aceptaba el dobladillo maxi desde finales de la década de 1960, en Gran Bretaña se vincularon nuevos estilos psicodélicos a una nostalgia subversiva por el período imperial eduardiano, por el art nouveau y por la obra de Aubrey Beardsley. Esto es evidente en el logotipo de la marca art nouveau original seleccionado por Barbara Hulanicki para su compañía de moda Biba, fundada en 1964. Esto también es claro en el romanticismo art nouveau de su silueta de noche de moda y el uso de boas de plumas, aunque fusionó esto con los primeros Estilo de la década de 1930 en su uso de satenes ceñidos y el corte al bies. John Galliano presentó varias prendas de estilo eduardiano en 1996-1997.
Art Déco
El diseño art déco está mucho más grabado en la mente del público como personificación de un ideal mítico de alegría, glamour y sexualidad libres y juveniles. Esta imagen se ha visto reforzada por una serie de películas populares ambientadas en la década de 1920, como Cantando bajo la lluvia. (1952), A algunos les gusta caliente (1959), y Totalmente Modern Millie (1967), llevada a los escenarios de Nueva York en 2002 y de Londres en 2003. Una versión filmada de El gran Gatsby de F. Scott Fitzgerald. en 1974, mientras que el Chicago de 2002 y la exposición Art Deco en el Victoria and Albert Museum del mismo año, aumentaron aún más la fascinación del público. El renacimiento de mediados de la década de 1960 fue liderado por Yves Saint Laurent con su colección art déco africana en 1967, que se adaptaba perfectamente al estilo joven y andrógino de ese período. A principios del segundo milenio, Galliano reelaboró el estilo flapper en 1994, mientras que Diane von Furstenberg mostró vestidos flapper con cintura caída y flecos de cuentas en Nueva York el 17 de septiembre de 2003.
Ver también aplique; Jacques Doucet; Juan Galliano; Orientalismo; Pablo Poiret; Yves Saint Laurent.
Bibliografía
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